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第二章 民间艺术

剪纸
剪纸是一种镂空艺术和最为流行的民间艺术，在视觉上给人以透空的感觉和艺术享受。其载体可以是纸张、金银箔、树皮、树叶、布、皮、革等片状材料。

剪纸是中国最普及的民间传统装饰艺术之一，有着悠久的历史。因其材料易得、成本低廉、效果立见、适应面广，样式千姿百态，形象普遍生动而受欢迎；更因它最适合农村妇女闲暇制作，既可作实用物，又可美化生活。全国各地都能见到剪纸，甚至形成了不同地方风格流派。剪纸不仅表现了群众的审美爱好，并含蕴着民族的社会深层心理，也是中国最具特色的民艺之一，其造型特点尤其值得研究。民间剪纸作为中国本源哲学的体现，在表现形式上有着全面、美化、吉祥的特征，同时民间剪纸用自己特定的表现语言，传达出传统文化的内涵和本质。

剪纸，又叫刻纸，窗花或剪画。区别在创作时，有的用剪子，有的用刻刀，虽然工具有别，但创作出来的艺术作品基本相同，人们统称为剪纸。

剪纸从色彩上分，有单色剪纸和套色剪纸。用一种颜色的剪纸刻出来的作品就叫单色剪纸，它如同版画中的单色木刻一样，是最常用的一种形式，这类作品显得十分朴素大方。而套色剪纸则是用不同颜色的剪纸可出来的作品，这种形式并不常用，这类作品看起来生动形象。

2006年5月20日，剪纸艺术遗产经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录。2007年6月8日，上海市李守白剪纸大师工作室获得国家文化部颁布的首届文化遗产日奖。

刺绣

刺绣，古称针绣，是用绣针引彩线，按设计的花纹在纺织品上刺绣运针，以绣迹构成花纹图案的一种工艺。古代称“黹”、“针黹”。因刺绣多为妇女所作，故又名“女红”。

刺绣是中国优秀的传统工艺，有着悠久的历史。根据各种古墓出土的帛画和刺绣等实物可知，远在3000多年前的殷周时代，中国就已有华美的暗花绸和多彩刺绣。目前在河南发现的商代刺绣实物，是中国最早的刺绣工艺品。这种刺绣花纹为菱形纹和折角波浪纹，在花纹线条的边缘使用加绞拈的丝线，工艺达到了相当高的水平。西周（公元前1100～前771年）的刺绣印痕发现于陕西省宝鸡茹家庄的西周墓中。这种刺绣采用今天还在使用的辫子股绣的针法，运用了双线条，线条舒卷自如，针脚也相当均匀齐整，说明刺绣技巧是很熟练的。

刺绣的主要艺术特点是图案工整绢秀，色彩清新高雅，针法丰富，雅艳相宜，绣工精巧细腻绝伦。就刺绣的针法而言，极其丰富而变化无穷，共有9大类43种，主要有齐针、抡针、套针、施针、乱针、滚针、切针、平金、打点、打子、结子、网绣、冰纹针、挑花、纳锦、刻鳞针、施毛针、穿珠针等等，采用不同的针法可以生产不同的线条组织和独特的手工刺绣艺术表现效果。例如，运用施针、滚针绣的珍禽异兽，毛丝颂顺，活灵活现，栩栩如生；采用散套针绣的花卉，活色生香，香味朴鼻，尽态尽妍；使用乱针绣的人像和风景，绒条组织多变，装饰味浓，艺术效果强，富有浓郁的民间、民族特色；使用打点绣的绣品，则清静淡雅，极富诗情画意；运用打子绣的绣品，则具有古色古香、淳朴浑厚的艺术效果与技巧上的平、齐、细、密、和、光、匀、顺的特色。

这种丝织刺绣工艺品的生产，不仅对中国社会起了很大的作用，而且在国际文化生活中也产生了很大的作用与影响。到了秦汉时期（公元前221～公元220年）刺绣已发展到了较高的水平，绣品也成为对外输出的主要商品。由于中国是丝绸的故乡，自古以来，富者以“闺房绣楼”为贞，贫者以“善织巧绣”为业。清代（公元1*4～1911年），各地的民间绣品皆有传统的风味，形成了著名的四大名绣，即苏州的苏绣、湖南的湘绣、四川的蜀绣、广东的粤绣。此外还有北京的京绣、温州的瓯绣、上海的顾绣、苗族的苗绣等，产地不同，风格各异。刺绣的针法有错针绣、乱针绣、网绣、满地绣等。刺绣的花卉不闻犹香，飞禽栩栩如生。走兽神态逼真。解放后，中国将油画、中国画、照片等艺术形式运用于刺绣，使之达到远看是画、近看地绣的绝妙效果。刺绣品的用途也进一步扩大，从戏剧服装到日常生活中的枕套、台布、屏风、壁挂及生活服装等。此外，刺绣品还是中国传统的外贸产品，经济价值很高。

风筝

风筝为中国人发明，相传墨翟以木头制成木鸟，研制三年而成，是人类最早的风筝起源，后来其学生鲁班用竹子，改进墨翟的风筝材质，更而演进成为今日多线风筝。

一般而言，由于亚洲地区盛产竹材，适合各种自由曲线的结构设计，并且与神话传说相结合，所以风筝造型千变万化且富个人色彩；而西方国家因为缺少竹材而以玻纤或碳纤为材料，在风筝造型及色彩上力求鲜明、简洁，多以单纯的色块来表现。

不过由于材料、气候和民俗习惯的差异，而演化出各式各样、形态多变的风筝，例如北方的沙燕传到东南亚后，就*成马来西亚、印尼、菲律宾、印度、泰国等各型月筝；而硬拍和米字结构传到韩国发展成风穴风筝，传到日本，则以浮世绘风格传扬于世。至于传到欧美地区的风筝以风箱、伞翼及十字结构为主，因此以各种立体造型及三角翼等几何图案为设计主流。

（1）马来西亚的风筝

马来西亚风筝的长度一般在1米到2米之间，宽与长相仿。风筝的制作相当讲究。首先挑选面向东方生长的竹子，据说这能保证太阳神始终附在风筝上伴随你度过一生。

马来西亚风筝的形状有鱼、鹰、猫、鹦鹉等，然而人们最喜欢的却是月亮风筝。月亮风筝因形似月牙而得名，这种风筝有的像鸟、有的像鱼，但都不失月牙形的特点。在正式的官方场合，马来西亚姑娘常常手执精心制作、图形优美的月亮风筝迎接贵客。

马来西亚政府经常组织风筝比赛。马来西亚航空公司还把风筝作为公司的标志。

（2）日本的风筝

风筝传入日本的时间，是在中国唐代时，通过遣唐使从中国带往日本的。

风筝传入日本后，原是作为同事方面传递讯息之用，直到江户时代才在民间流传开来。早期的风筝多为长方形和金半圆形，上面没有任何装饰。到了明治时代，浮世绘的画风已形成日本风筝的独特风格，让风筝的艺术与欣赏价值更为提高。

（3）韩国的风筝

韩国自行发展出代表性的风筝——风穴风筝，这是由米字结构的风筝*而来。

一般的米字风筝是以十字交叉与对角线交叉的骨架结合在一起，加强结构与增加受风。而韩国的风穴风筝更进一步地在平面上挖一个风穴，巧妙地运用受风与排风的位置，让背风转为浮力，使风筝的动作更为灵活，属于打斗风筝的一种。

（4）泰国的风筝

泰国的风筝有男、女之别，男筝称之为鸟筝，女筝称之为鱼筝。鸟筝一般有2米高，又叫“猜朗康”；鱼筝形如钻石，也称“白宝”，放飞时要由7个女子*控。每年2至4月是传统放风筝季节，常举办多风筝赛会。

（5）荷兰的风筝

现在的荷兰风筝多没有骨架，材料多为尼龙布和塑胶纸。荷兰曾在1984年展示一只世界上最大的风筝，无骨架，以尼龙布制成，放飞前要先充气，并由8吨的汽车牵引才能顺利升空。

（6）英国的风筝

在英国，风筝原先是作为航空学的装置之一。20世纪20年代，以风筝进行广告宣传已是常见的宣传手法，而二次大战中，英国曾用风筝载人来监视德国潜水艇的活动。20世纪40年代，英国海军还曾把风筝作为防卫空中攻击的装置配置在驱逐舰上。

（7）美国的风筝

放风筝，在美国被视为一种老少咸宜的体育活动，所流行的风筝多为尼龙布制，不怕风吹雨淋。

1956年发明软体风筝后，不仅放飞时只靠尼龙布或塑胶材料来支撑，更可将风筝折叠起来，携带相当方便。现在相当流行的特技风筝，据说就是根据导弹射击试验的靶机设计出来的。

灯笼

中国的灯笼又统称为灯彩。起源于1800多年前的西汉时期，每年的农历正月十五元宵节前后，人们都挂起象征团圆意义的红灯笼，来营造一种喜庆的氛围。后来灯笼就成了中国人喜庆的象征。经过历代灯彩艺人的继承和发展，形成了丰富多彩的品种和高超的工艺水平。从种类上有：宫灯、纱灯、吊灯等等。从造型上分，有人物、山水、花鸟、龙凤、鱼虫等等，除此之外还有专供人们赏玩的走马灯。中国的灯彩综合了绘画艺术、剪纸、纸扎、刺缝等工艺，利用各个地区出产的竹、木、藤、麦秆、兽角、金属、绫绢等材料制作而成。在中国古代制作的灯彩中，以宫灯和纱灯最为著名。

灯笼与中国人生活息息相连，庙宇中、客厅里，处处都有灯笼。仔细推算，中国有灯是秦汉以后的事，有纸灯笼又可能是在东汉纸发明之后。

中国的灯笼，不仅是用以照明，它往往也是一种象徵，吴敦厚说，他以前做新娘灯（即宫灯）就代表婚礼喜庆；竹篾灯则告示这是丧葬场合；伞灯（字姓灯），因“灯”与“丁”语音相同，意味著人丁兴旺。所以，过去每家都有字姓灯，悬挂在屋檐下和客厅中。今天迎神赛会上，神明的阵头前仍有两盏大灯笼，就是这种习俗的延续。

不过，灯笼最让人遐思、期盼恐怕还是元宵节的花灯了。元宵观灯的习俗起源于汉朝初年，唐开元年间，为了庆祝国泰民安，乃扎结花灯，藉著闪烁不定的灯光，象征“彩龙兆祥，民阜国强”，花灯风气至此广为流行。明朱元璋建都南京时，更于秦淮河上燃放水灯万支；永乐朝在午门大立虌山灯柱，又在华门外设“灯市”，使得北平尚有“灯市口”街道。*后，花灯之举虽仍在，但平淡了许多，幸亏如今因著中国热，灯笼又逐渐在居家装饰上扮演著重要的角色，但是现在灯笼的材料，有的由原来的纸、竹子，变成布、塑胶、铁线，而且灯笼的形状和颜色与传统也大不相同。

传统中寺庙是以黄色为主，灯笼的大小、颜色全以个人喜好变化，无所谓一定的象徵意义。

除了照明以外，灯笼还有其他意义。每年正月私塾开学时，家长会为子女准备一盏灯笼，由老师点亮，象徵学生的前途一片光明，称为“开灯”。后来就由此演变成元宵节提灯笼的习俗。由于字音和“添丁”相近，所以灯笼也用来祈求生子。到了日据时代，爱国志士们在灯笼上绘制民间故事，教导子孙认识自己的文化，所以又具有薪火相传的意义。

舞狮子

舞狮子，是我国优秀的民间艺术，每逢元宵佳节或集会庆典，民间都以狮舞前来助兴。这一习俗起源于三国时期，南北朝时开始流行，至今已有一千多年的历史。据传说，它最早是从西域传入的，狮子是文殊菩萨的坐骑，随着佛教传入中国，舞狮子的活动也输入中国。狮子是汉武帝派张骞出使西域后，和孔雀等一同带回的贡品。而舞狮的技艺却是引自西凉的“假面戏”，也有人认为狮舞是五世纪时产生于刘宋的军队，后来传人民间的。两种说法都各有依据，今天已很难判断其是非。

不过，唐代时狮舞已成为盛行于宫廷、军旅、民间的一项活动。唐段安节《乐府杂寻》中说：“戏有五方狮子，高丈余，各衣五色，每一狮子，有十二人，戴红抹额，衣画衣，执红拂子，谓之狮子郎，舞太平乐曲。”诗人白居易《西凉伎》诗中对此有生动的描绘：“西凉伎，西凉伎，假面胡人假狮子。刻木为头丝作尾，金镀眼睛银帖齿。奋迅毛衣摆双耳，如从流沙来万里。”诗中描述的是当时舞狮的情景。在一千多年的发展过程中，狮舞形成了南北两种表演风格。

北派狮舞以表演“武狮”为主，即魏武帝钦定的北魏“瑞狮”。小狮一人舞，大狮由双人舞，一人站立舞狮头，一人弯腰舞狮身和狮尾。舞狮人全身披包狮被，下穿和狮身相同毛色的绿狮裤和金爪蹄靴，人们无法辨认舞狮人的形体，它的外形和真狮极为相似。引狮人以古代武士装扮，手握旋转绣球，配以京锣、鼓钹、逗引瑞狮。狮子在“狮子郎”的引导下，表演腾翻、扑跌、跳跃、登高、朝拜等技巧，并有走梅花桩、窜桌子、踩滚球等高难度动作。南派狮舞以表演“文狮”为主，表演时讲究表情，有搔痒、抖毛、舔毛等动作，惟妙惟肖，逗人喜爱，也有难度较大的吐球等技巧。南狮以广东为中心，并风行于港澳，东南亚侨乡。

南狮虽也是双人舞，但舞狮人下穿灯笼裤，上面仅仅披着一块彩色的狮被而舞。和北狮不同的是“狮子郎”头戴大头佛面具，身穿长袍，腰束彩带，手握葵扇而逗引狮子，以此舞出各种优美的招式，动作滑稽风趣。南狮流派众多，有清远、英德的“鸡公狮”，广州、佛山的“大头狮”，高鹤、中山的“鸭嘴狮”，东莞的“麒麟狮”等。

南狮除外形不同外，尚有性格不同。白须狮舞法幅度不宽、花色品种不多，但沉着刚健，威严有力，民间称为“刘备狮”。黑须红面狮，人称“关公狮”，舞姿勇猛而雄伟，气概非凡。灰白胡须狮，动作粗犷好战，俗称“张飞狮”。狮子为百兽之尊，形象雄伟俊武，给人以威严、勇猛之感。古人将它当作勇敢和力量的象征，认为它能驱邪镇妖、保佑人畜平安。所以人们逐渐形成了在元宵节时及其他重大活动里舞狮子的习俗，以祈望生活吉样如意，事事平安。

中国结

中国结由于年代久远，其历史贯穿于人类史始终，漫长的文化沉淀使得中国结渗透着中华民族特有的，纯粹的文化精髓，富含丰富的文化底蕴。“绳”与“神”谐音，中国文化在形成阶段，曾经崇拜过绳子。

据文字记载：“女娲引绳在泥中，举以为人。”又因绳像蟠曲的蛇龙，中国人是龙的传人，龙神的形象，在史前时代，是用绳结的变化来体现的。“结”字也是一个表示力量、和谐，充满情感的字眼，无论是结合、结交、结缘、团结、结果，还是结发夫妻，永结同心，“结”给人都是一种团圆、亲密、温馨的美感“结”与“吉”谐音，“吉”有着丰富多彩的内容，福、禄、寿、喜、财、安、康无一不属于吉的范畴。“吉”就是人类永恒的追求主题，“绳结”这种具有生命力的民间技艺也就自然作为中国传统文化的精髓，兴盛长远规划，流传至今。

中国结不仅具有造型、色彩之美，而且皆因其形意而得名，如盘长结、藻井结、双钱结等，体现了我国古代的文化信仰及浓郁的宗教色彩，体现着人们追求真、善、美的良好的愿望。在新婚的帖钩上，装饰一个“盘长结”，寓意一对相爱的人永远相随相依，永不分离。在佩玉上装饰一个“如意结”，引申为称心如意，万事如意。在扇子上装饰一个“吉祥结”，代表大吉大利，吉人天相，祥瑞、美好。在剑柄上装饰一个“*结”，有如轮黑心行，弃恶扬善之意。

在烟袋上装饰一个“蝴蝶结”，“蝴”与“福”谐音，寓意福在眼前，福运迭至。大年三十晚上，长辈用红丝绳穿上百枚铜钱作为压岁钱，以求孩子“长命百岁”，端午节用五彩丝线编制成绳，挂在小孩脖子上，用以避邪，称为“长命缕”。本命年里为了驱病除灾，用红绳扎于腰际。所有这些都是用“结”这种无声的语言来寄寓吉祥。中国人在表达*方面往往采用委婉，隐晦的形式，“结”从而义不容辞的充当了男女相思相恋的信物，将那缕缕丝绳编制成结，赠与对方，万千*，绵绵思恋也都蕴含其中。梁武帝诗有“腰间双绮带，梦为同心结”。宋代诗人林逋有“君泪盈、妾泪盈，罗带同心结未成，江头潮已平”的诗句。一为相思，一为别情，都是借“结”来表达情意。至于结的表意价值，历代文人墨客有大量生动的描写。纵观中国古代诗词歌赋，从中我们不难发现，绳结收已超越了原有的实用功能，并伴随着中华民族和繁衍壮大，生活空间的拓展，生命意义的增加和社会文化体系的发展而世代相传。

“中国结”的编制过程十分复杂费时。每个基本结均以一根绳从头至尾编制而成，并按照结的形状为其命名。最后再将不同的基本结加以组合，间配以饰物，便成为富含文化底蕴，表示美好祝福，形式精美华丽的工艺品。

悠久的历史和漫长的文化沉淀使“中国结”蕴涵了中华民族特有的文化精髓。它不仅是美的形式和巧的结构的展示，更是一种自然灵性与人文精神的表露。因此，对传统“中国结”工艺的继承和发展是极有意义的。

中山装

中山装为服装的一种，是以中国革命先行者孙中山命名的男用套装。上身左右各有两个带盖子和扣子的口袋，*是西式长裤，由孙中山提倡而得名。

孙中山先生的倡导下，当时的国民党人以身着“中山装”为荣，也正因为革命领袖和革命干部都穿中山装，新中国成立后，全国人民便以这种服装来表达对新时代的热爱。于是中山装成为新中国一款标志性的服装，甚至曾一度被世界公认为中华人民共和国的“国服”。

穿着中山装，国民一度找回了失落了一个世纪的自信。然而，这种自信心的建立，其实源于一个被神化了的领袖。当有一天神化的面纱被揭开后，中国人的信仰便开始处于一种真空状态。改革开放后，打开的国门让中国人看到了西方的繁华，也看到了30年被禁锢的悲哀。

在中国的服装产业蓬*发展、形形色色的服装一路增光添彩的今天，中山装却早早地退出了常式礼服的历史舞台。偶尔，传媒上有国家领导人身着中山装参加国际重要会议的身影，有位美籍华人穿着中山装参加国际性颁奖典礼，等等消息。从这些有关中山装报道的凤毛麟角中，我们感受着作为一个中国人对中山装最后的一点执着与不舍，才明白自己的文化血脉的传承中，其实早已有中山装深深的烙印。

中山装做为中国人一度推崇的常式礼服，它同时也承载着一种文化，一种礼仪，一份民族自尊和自豪感。韩国人的韩服、日本人的和服、苏格兰高地男子的褶裥短裙和东南亚一带马来民族的沙笼和峇迪，或多或少都承载着这些元素。现在世界各国大体上都以穿西装为主，但在节日或重大庆典活动时，各民族的人都要穿上自己的民族服装。然而，当瓦杰帕伊穿一身洁白的印度长袍翩翩而来，小泉纯一郎着一袭宽大的和服走向世界的时候，中华民族，作为这个世界上人口最多的民族，号称拥有五千年光辉灿烂文明历史，却没办法拥有一件属于自己民族的服饰。

很多人质疑过中华文明。然而意外的是，当中国人肆无忌惮地破坏自己的传统文明的时候，英国大文豪萧伯纳却说：“你们有五千年的文化，你们现在好像觉得西方什么都好……总有一天，你们会把西方的东西像破鞋一样扔掉。”近一个世纪过去了，中国人想赶英超美，想屹立于世界民族之林，想着*主义理想事业，却似乎从没有想过要找回自己的民族精魂，这种无根的漂泊状态，表现在我们一方面在寻寻觅觅谋求民族的强大兴盛，另一方面却在藐视自己的传统文明自暴自弃。这种矛盾状态其实来源于民族自信心的不足，它最直接的后果，便注定中华民族在追求民族进步中却失去了更多。这其中，包括丢掉了自己的“国服”——中山装。

“汉家天马出蒲梢，苜蓿榴花遍近郊”，“男儿何不带吴钩，收取关山五十州”，失落的文明应该找到重新传承的文化血脉。当中华民族解开历史迷雾所制造的民族自悲情结，以整个中华民族文化源流交融的大视角来看待曾在中国人身上深深打下烙印的中山装时，就会发现中山装离我们的生活虽然有点遥远，但其文化的密码却在现代中国人的精神生活中得以保存下来，比如人权思想、革命精神或民族复兴精神、它其实是唤醒集体文化记忆的最切实而有效的方式。

旗袍

旗袍是*的旗人之袍，诞生于20世纪初叶，盛行于三四十年代。行家把上个世纪20年代看作旗袍流行的，三十年代它到了顶峰状态，很快从发源地上海风靡至中国各地。当时上海是上流名媛，高级交际花的福地，她们热衷于游泳、打高尔夫、飞行术、骑马，奢华的社交生活和追赶时髦，注定了旗袍的流行。由于上海一直崇尚海派的西式生活方式，以致后来出现了“改良旗袍”，从遮掩身体的曲线到显现玲珑突兀的女性曲线美，使旗袍彻底摆脱了旧有模式，成为中国女性独具民族特色的时装之一。

（1）旗袍的特征

旗袍的外观特征一般要求全部或部分具有以下特征：右衽大襟的开襟或半开襟形式，立领盘纽、摆侧开衩，单片衣料、衣身连袖的平面裁剪等。开衩只是旗袍的很多特征之一，不是唯一的，也不是必要的。

满族旗装：大多采用平直的线条，衣身宽松，两边开叉，胸腰围度与衣裙的尺寸比例较为接近；在袖口领口有大量盘滚装饰。

近代旗袍：*了立体造型时代，衣片上出现了省道，腰部更为*并配上了西式的装袖、旗袍的衣长、袖长大大缩短、腰身也越为*。刺绣精细。

（2）旗袍的京派与海派

京派与海派代表着艺术、文化上的两种风格。海派风格以吸收西艺为特点，标新且灵活多样，商业气息浓厚；京派风格则带有官派作风，显得矜持凝练。

（3）艺术家与旗袍

艺术，是通过塑造形象具体地反映社会生活、表现作者思想感情的一种社会意识形态。

（4）设计师与旗袍

经过20世纪上半叶的演变，旗袍的各种基本特征和组成元素慢慢稳定下来。旗袍成为一种经典女装。经典相对稳定，而时装千变万化。但时装设计师常从经典的宝库中寻找灵感，旗袍也是设计师灵感的来源之一。

旗袍是近代兴起的中国妇女的传统时装，而并非正式的传统民族服装。它既有沧桑变幻的往昔，更拥有焕然一新的现在。旗袍本身就具有一定的历史意义，加之可欣赏度比较高，因而富有一定收藏价值。现代穿旗袍的女性虽然较少，但现代旗袍中不少地方仍保持了传统韵味，同时又能体现时尚之美，所以也具有一定的收藏价值。

马褂

马褂，旧时男子穿在长袍外面的对襟的短褂。因着之便于骑马，故名。清初为一般士兵穿着，康熙时富贵之家也有穿者。以后逐渐成为一种便服。由于时代不同，用料、颜色、缀饰也有差别。乾隆时曾流行毛朝外的皮马褂，均用珍贵裘皮，非一般人所能置。辛亥革命后，政府曾把黑马褂、蓝长袍定为礼服，长袍马褂一度流行全国。20世纪40年代后逐渐减少。

马褂主要是为了便于骑马。满人初进关时，只限于八旗士兵穿用。直到康熙雍正年间，才开始在社会上流行，并发展成单、夹、纱、皮、棉等服装，成为男式便衣，士庶都可穿着。

马褂的样式有琵琶襟、大襟、对襟三种。琵琶襟马褂，因其右襟短缺，又叫缺襟马褂，穿上它可以行动自如，常用作出行装。大襟马褂，则将衣襟开在右边，四周用异色作为缘边，一般作常服使用。对襟马褂，其服色在各个时期有多种变化：初沿天青色，至乾隆中期，又尚玫瑰紫，后又推崇深绛色（人称“福色”），到了嘉庆年间，则流行泥金及浅灰色。大袖对襟马褂可代替外褂而作为礼服使用，颜色多用天青色，大小官员在谒客时常穿此服，因其身长袖窄，也称作“长袖马褂”。

马褂中有一种颜色不能随便使用，那就是黄色。黄马褂，是皇帝特赐的服装。穿着这种赐服的人，主要有三类：一是随皇帝“巡幸”的侍卫，称为“职任褂子”；二是行围校射时，中靶或获猎多者，称为“行围褂子”；三是在治事或战事中建有功勋者，称为“武功褂子”，这些人还要被载入史册。只有这种御赐的马褂才可以随时穿着。

清朝初年，马褂被满洲贵族用民族大*的办法强加给汉族。解放前与长袍合为官定的常礼服。以黑色为最普通。马褂在解放后已经逐步被中国人民摈弃，但是近年来，马褂又以“唐装”的名称重新回到人们的视野中。

牛仔裤

牛仔裤，现代裤类名称，用一种靛蓝色粗斜纹布裁制的直裆裤、裤腿窄，缩水后穿着紧包*的长裤。因其最早出现在美国西部，曾受到当地的矿工和牛仔们的欢迎，故名。现时的牛仔裤大多用劳动布（又名坚固呢）裁制。衣缝沿边缉双道桔红色的缝线针迹，并缀以铜钉和铜牌商标。牛仔裤的造型现已成固定格局，一般不分男女均可穿着。

牛仔裤诞生的确切日期是1873年5月20日。这一天，专利商标局向两位移民利瓦伊·斯特劳斯和雅各布·戴维斯颁发了他们申请的工装裤的专利。

这种劳动裤是用一种名叫“粗斜纹布”制作的，缝制时经过了加固处理，而且在裤兜和裤门处都使用了崭新的铜纽扣。这个主意是内华达裁缝戴维斯提出的。而戴维斯是斯特劳斯的顾客。斯特劳斯当时是一家小百货商店的老板。斯特劳斯希望用这种新的裤子款式满足淘金矿工的要求，因为淘金矿工们经常抱怨说裤兜兜不住他们装在里面的黄金颗粒。

由于这种“能放东西”的裤子受到极大的欢迎，因此很快就不得不为它申请专利，但是要实现这一梦想，戴维斯还缺62美元。戴维斯遇到困难后就来到斯特劳斯家求助，精明的生意人利瓦伊·斯特劳斯二话没说就把钱给了他。因为他心里清楚，正像戴维斯向他保证的那样，由于这种新工装裤有着巨大的经济潜力，他们二人肯定能够挣到大笔的钱。

而这两位商人再精明，也万万没有想到他们未来的收入会有那么多。不仅如此，随着时间的推移，他们设计的这种服装不再是专做粗活的人穿着的衣服，它开始向其他地方传播，最后全世界的人都穿这种服装。从牧人、工人、学生，到富有的企业家、运动员、艺术家和王室成员都穿这种服装。可以说，它现在已经变成20世纪的一种象征。又有谁能想到，62美元的专利费，竟然会换来如此高的回报。

正如利瓦伊·斯特劳斯公司的网页所说的那样，不是以前没有矿工穿这种用粗布做的裤子，它的最新之处在于第一批牛仔裤上使用了金属纽扣。这才是今天人们在全世界见到的真正的牛仔裤。但是第一批缝制牢固而且在工人中大受欢迎的裤子，被取名叫“粗斜纹紧腰工装裤”，因为真正叫做“牛仔裤”是1960年之后的事。当时外出打工的一代人特别喜爱这样称呼它。目前没有人知道第一条“粗斜纹紧腰工装裤”是哪一天缝制出来的，以及哪一天卖掉的，因为1906年在旧金山发生的一场大地震中，该公司丢失了所有的历史档案。人们只能肯定是在1873年的某一天。距今*年了。利瓦伊·斯特劳斯没有活到他的公司为从地震中恢复过来所作的巨大努力时期，他在地震之前几年就去世了。戴维斯也没有活到那个时候，他在很多年之前就把公司的部分股份给卖掉了。

如果再多看看该公司历史的话，就不难发现现在流行的501型号，是1873年生产的第一批牛仔裤的延续。后来在市场上出现了五花八门的牛仔裤式样，但是没有一种式样能像这种品牌那样受到大众欢迎。随着时间的推移，在该公司的专利期限到期之后，出现了许多家公司，也生产用这种面料制成的裤子。目前世界上有上万家工厂生产这类工装裤，而且穿这种裤子的人越来越多。特别是电影明星和歌星们在许多场合都穿它之后，好像牛仔裤成了人人都穿的一种制服。可以不夸张地说：男女老少都穿，哪个家庭的衣橱里没有几件牛仔服装？由此可见它受欢迎的程度。

在牛仔裤正不断地推陈出新，水洗牛仔裤、补丁牛仔裤、毛边牛仔裤以及各式各样的牛仔上衣，在市场上和大街上随处可见。牛仔服装一般给人一种牢固、粗犷且精神抖擞的感觉，工作与休闲均适宜。牛仔文化虽然在美国和欧洲国家中已经风行了多年，今天牛仔服装在世界其他地区仍是许多人青睐的一种选择。据专家们说，随着经济全球化的发展，牛仔服装在世界贸易中的地位依然会经久不衰。

窑洞

窑洞是黄土高原的产物，陕北农民的象征。在这里，沉积了古老的黄土地深层文化，人民创造了陕北的窑洞艺术。过去，一位农民辛勤劳作一生，最基本的愿望就是修建几孔窑洞。有了窑娶了妻才算成了家立了业。男人在黄土地上刨挖，女人则在土窑洞里*持家务、生儿育女。小小窑洞浓缩了黄土地的别样风情。

窑洞一般修在朝南的山坡上，向阳，背靠山，面朝开阔地带，少有树木遮挡，十分适宜居住生活。一院窑洞一般修3孔或5孔，中窑为正窑，有的分前后窑，有的1进3开，从外面看4孔要各开门户，走到里面可以发现它们有隧道式小门互通顶部呈半圆形，这样窑洞就会空间增大。窑洞一般窑壁用石灰涂抹，显得白晃晃的，干爽亮堂。窑洞内一侧有锅和灶台，在炕的一头都连着灶台，由于灶火的烟道通过炕底，冬天炕上很暖和。炕周围的三面墙上一般贴着一些绘有图案的纸或拼贴的画，陕北人将其称为炕围子。炕围子是一种实用性的装饰，它们可以避免炕上的被褥与粗糙的墙壁直接接触摩擦，还可以保持清洁。为了美化居室，不少人家在炕围子上作画。这就是在陕北具有悠久历史的民间艺术——炕围画。陕北窑洞的窗户比较讲究，窗户分天窗、斜窗、炕窗、门窗四大部分，都有剪纸装饰。它们根据窗户的格局，把窗花布置得美观而又得体。窗花贴在窗外，从外看颜色鲜艳，内观则明快舒坦，从而产生一种独特的光、色、调相融合的形式美。窗格疏朗，阳光可以自由地透进来。

深达一二百米、极难渗水、直立性很强的黄土，为窑洞提供了很好的发展前提。同时，气候干燥少雨、冬季寒冷、木材较少等自然状况，也为冬暖夏凉、十分经济、不需木材的窑洞，创造了发展和延续的契机。由于自然环境、地貌特征和地方风土的影响，窑洞形成各式各样的形式。但从建筑的布局结构形式上划分可归纳为靠崖式、下沉式和独立式三种形式。

陕北延安窑洞，其中夹杂着窑洞式平顶房。窑洞是自然图景和生活图景的有机结合，渗透着人们对黄土地的热爱和眷恋之情。

傣族竹楼

傣族竹楼是另一种干栏式住宅。云南西双版纳是傣族聚居地区，这里的地形高差变化较大，北部为山地，东部为高原，西部却为平原。全区气候差别也大，山地海拔达1700米，属温带气候；平原海拔750～900米，属亚热带气候；有的河谷平原，海拔只有500米，已经属于热带气候了。傣族人民多居住在平坝地区，常年无雪，雨量充沛，年平均温度达21℃，没有四季的区分。所以在这里，干栏式建筑是很合适的形式。

由于该地区盛产竹材，所以许多住宅用竹子建造，称为竹楼。粗竹子做骨架，竹编篾子做墙体，楼板或用竹篾，或用木板，屋顶铺草，主柱有24条。所以竹楼用料简单，施工方便而且迅速。竹楼的平面呈方形，底层架空多不用墙壁，供饲养牲畜和堆放杂物，楼上有堂屋和卧室，堂屋设火塘，是烧茶做饭和家人团聚的地方；外有开敞的前廊和晒台，前廊是白天主人工作、吃饭、休息和接待客人的地方，既明亮又通风；晒台是主人盥洗、晒衣、晾晒农作物和存放水罐的地方。这一廊一台是竹楼不可缺少的部分。这样的竹楼一防潮湿，二散热通风，三可避虫兽侵袭，四可避洪水冲击。因为这里每年雨量集中，常发洪水，楼下架空，墙又为多空隙的竹篾，所以很利于洪水的通过。

竹楼是傣家人世代居住的居所，它那美观的楼顶，传说里称之为“诸葛亮的帽子”。傣家竹楼为杆栏式的建筑，造型美观，外形像个架在高柱上的大帐篷。竹楼是用各种竹料（或木料）穿斗在一起，互相牵扯，极为牢固。楼房四周用木板或竹篱围住，堂内用木板隔成两半，内为卧室，外为客厅。楼房下层无墙，用以堆放杂物或饲养*。

傣族竹楼具有冬暖夏凉、防潮防水防震的特点。楼室高出地面若干米，潮气不易上升到室内，水也淹不到楼室上。竹楼为四方形，楼内四面通风，夏天凉爽，冬天暖和。傣家人喜欢在竹楼周围载凤尾竹、槟榔、芒果、香蕉等，使村寨充满诗情画意。

北京四合院

所谓四合，“四”指东、西、南、北四面，“合”即四面房屋围在一起，形成崐一个“口”字形。经过数百年的营建，北京四合院从平面布局到内部结构、细部装修都形成了京师特有的京味风格。

北京正规四合院一般依东西向的胡同而坐北朝南，基本形制是分居四面的北房（正房）、南房（倒座房）和东、西厢房，四周再围以高墙形成四合，开一个门。大门辟于宅院东南角“巽”位。房间总数一般是北房3正2耳5间，东、西房各3间，南屋不算大门4间，连大门洞、垂花门共17间。如以每间11～12平方米计算，全部面积约200平方米。四合院中间是庭院，院落宽敞，庭院中植树栽花，备缸饲养金鱼，是四合院布局的中心，也是人们穿行、采光、通风、纳凉、休息、家务劳动的场所。四合院是封闭式的住宅，对外只有一个街门，关起门来自成天地，具有很强的私密性非常适合独家居住。院内，四面房子都向院落方向开门，一家人在里面和亲和美，其乐融融。由于院落宽敞，可在院内植树栽花，饲鸟养鱼，叠石造景。居住者不仅享有舒适的住房，还可分享大自然赐予的一片美好天地。

四合院虽为居住建筑，却蕴含着深刻的文化内涵，是中华传统文化的载体。四合院的营建是极讲究风水的，从择地、定位到确定每幢建筑的具体尺度，都要按风水理论来进行。

四合院在中国有相当悠久的历史，根据现有的文物资料分析，早在两千多年前就有四合院形式的建筑出现。在历史发展过程中，中国人特别喜爱四合院这种建筑形式，不仅宫殿、庙宇、官府使用四合院，而且各地的民居也广泛使用四合院。不过，只要人们一提到四合院，便自然会想到北京四合院，这是为什么呢？

这是因为北京四合院的型制规整，十分具有典型性，在各种各样的四合院当中，北京四合院可以代表其主要特点。

首先，北京四合院的中心庭院从平面上看基本为一个正方形，其他地区的民居有些就不是这样。譬如山西、陕西一带的四合院民居，院落是一个南北长而东西窄的纵长方形，而四川等地的四合院，庭院又多为东西长而南北窄的横长方形。

其次，北京四合院的东、西、南、北四个方向的房方向的房屋各自独立，东西厢房与正房、倒座的建筑本身并不连接，而且正房、厢房、倒座等所有房屋都为一层，没有楼房，连接这些房屋的只是转角处的游廊。这样，北京四合院从空中鸟瞰，就像是四座小盒子围合一个院落。

而南方许多地区的四合院，四面的房屋多为楼房，而且在庭院的四个拐角处，房屋相连，东西、南北四面房屋并不独立存在了。所以南方人将庭院称为“天井”，可见江南庭院之小，有如一“井”，难免使人顾名思义，联想到“井底之蛙”、“坐井观天”的成语。

北京四合院是名符其实的院，宽敞开阔，阳光充足，视野广大。

还有一点，就是北京四合院的文化内涵丰富，全面体现了中国传统的居住观念。譬如东北地区汉族的套大院（东北农村四合院），符合北京四合院的前两个特点，但却不具备文化内涵丰富这一特点。

举例说，东北四合院的单扇门（中国传统多为双扇门的形式）、堂屋背后设“倒闸”作为贮物间等做法都使人感到是清代山东等地“跑关东”的移民带去的穷人习惯的延续。

正是因为以上几个特点，人们往往将北京四合院作为中国四合院民居的典型代表形式。

人体艺术

“人体艺术”最早起源于15、16世纪后文艺复兴的意大利和法国，它利用古代神话题材进行艺术创作，一方面是表现人体本身的美，另一方面是借以表达社会和人性的真善恶。它的出现打破了早期宗教禁欲对人体的种种限制。

在中国，许多年来是没有有关“人体艺术”的主题创作的。如果非要说有，也只是一些民间的春宫图，医学上示范的教科材料或仿真插图。几十年前，刘海栗开了中国人体艺术的先河，把人体模特第一次带到画室从而受到军阀孙传芳的迫害，这件事情至到今天还让许多中国人所津津乐道。其实刘海栗当时启用人体模特时还没有出国，但已受欧洲文化的影响，开始试着把欧洲关于人体艺术的表达带到中国。那是早期中国的人体艺术。改革开放后，中国人的思想进一步打开，审美观念也进一步提高。与国际艺术的接轨使许多人对人体艺术开始认识，接受，并投入其中。群众的接受度也更为包容，开明了。

从某种程度来看，“人体艺术”的发展程度是检验一个国家文明程度的标准，能看出一个国家普通大众的审美情趣和文明程度。的确。我们现在看到越来越多的打着艺术幌子的所谓人体艺术。许多的商业活动都以“人体艺术”作为噱头，大张旗鼓地进行一些粗制滥造的所谓艺术表演，更有人用一些煸动，刺激的字眼引诱观众。用他们的话来说，就是“文化搭台，经济唱戏”。在这里面，艺术只个台子，真正的主角是经济，是利益，这是现在一系列流行人体艺术的真相。我想要说的是，一个真正的艺术家，是不会创作出那样的作品来的。那些作品的作者，不是好的艺术家，更称不上是优秀的艺术家，艺术家本人就很不可靠，完全没有从艺术的角度来展出人体，而干脆以完全纯粹的人体，完全生活化的人体进行展示。

**并不一定就是人体艺术，这是两个不同概念，有人把**与人体艺术混为一谈是不对的。所谓人体艺术，是指艺术家以人体作为艺术语言和艺术媒介，来表达艺术家的思想和情感的艺术作品。也就是说，**只有被艺术家用来表达自己的艺术思想和情感时，**才成为人体艺术，否则，只是一种纯**。

人体是美的，人体艺术是人体美的结晶。今天，由于人体美具有特殊的审美价值，除了雕塑、绘画外，人们已经在电影、摄影、芭蕾和体*、游泳、滑冰、等艺术和运动中，用各种不同的语言去表现、创造、赞美人体美。它不仅给人们带来艺术美的享受，而且也陶冶着人们的审美情*和艺术趣味。我们深信，只要人类是追求美的，只要艺术是表现美的，那么人体艺术还将放射出更加绚丽的光辉。

行为艺术

行为艺术是指在特定时间和地点，由个人或群体行为构成的一门艺术。行为艺术必须包含以下4项基本元素，除此之外不受任何其他限制：时间、地点、行为艺术者的身体，以及与观众的交流。该艺术不同于绘画、雕塑等仅由单个事物构成的艺术。

（1）行为艺术的特征

特定的环境和含义为依托而进行艺术创造活动的艺术形态。行为艺术相较于架上绘画、传统雕塑等艺术注重艺术行为的结果留存而言，它更是强调、注重艺术家的行为过程意义，是典型的具有表演性特征的过程艺术形态。作为行为艺术家，大多坚信——艺术家个人的艺术创造自由。

其次，艺术泛化性特征。行为艺术家以自己特有的艺术创造行为过程展示，把传统艺术从高不可攀的精英文化神圣殿堂，摆放到了普通观众心目中的“不过如此”的“平淡”状态。尤其在有的作品中，还请一般观众参与，这就更消解了艺术家与观众之间的心理距离。增强了观者对艺术创造行为的认同感，同时，行为艺术强调的是行为过程，这在客观上，就把艺术注重行为结果的单一视域拓展到了充分认识、注重艺术行为过程的领域。从而有助于人们完整地认识人类艺术整体行为，合乎艺术规律性和目的性的发展运动。最后，行为艺术具有平凡中的艺术深刻性特征。即是说，行为艺术是行为艺术家“有意味的”行为过程展示艺术。我们讲行为艺术打破了“艺术与非艺术”、“艺术与生活”的传统界线，行为艺术家曾邀请观众参与到其具体作品中去共同创造艺术作品。

（2）关于行为艺术的讨论

行为艺术其实也就是当代实验艺术中的一种类型，但是，由于近一二年来，有一些在视觉上比较“刺激”的行为艺术作品被冠上“病态”、“血腥”、“暴力”等称谓之后，不仅在“圈”内，同时在社会上也引起了很多争议。在这个过程中，由于“行为艺术”的现场性、直接性的特点，在事后仅仅靠几张照片很难来完整地反映某个作品的具体实际情况，所以难免会引起别人对于行为艺术理解的片面性。

关于“行为艺术”的讨论进行到现在，已经在艺术界和社会范围内引起了一定的反响。但是，问题的关键是在这场讨论中，我们的一些大众媒体包括一些专业刊物在这场讨论中一直没有对所谓的“行为艺术”进行客观、公正、全面的介绍，道听途说、以偏概全式的报道误导了大众包括一些专业人士对于“行为艺术”的了解。

我们要客观、公正地讨论这些艺术现象，就必须要提供给业内人士包括一些对前卫艺术有兴趣的网友全面了解这些作品以及与“行为艺术”有关的评论文章和知识背景，这对于我们冷静、理性地对这一现象进行评论会有所帮助。

行为艺术采取很夸张的表现手法，用行为来表达人对世界的看法。这些行为有的是美的，有的是丑的，但不是人在正常状态下有的。

自行为艺术出现在中国以来，由于和中国人的审美观、道德观以及社会传统反差较大，始终是人们争论的焦点，在“行为艺术”的发展中部分创作者更以自虐、伤害、鲜血等极端行为作为表达的主要方式，直接挑战人性和道德的极限。我们在这里列举，希望可以拓宽我们对于艺术、人的生活乃至生命的思考。